В залах Мраморного дворца развернулась масштабная экспозиция работ Вячеслава Михайлова — около 200 живописных и графических произведений из личной коллекции художника и собраний Русского музея. Накануне открытия мастер поделился откровенными размышлениями о природе творчества, коммерциализации искусства и вызовах современности.
Для 68-летнего художника такая ретроспектива — событие волнительное. «С годами каждая выставка превращается в проверку: не потерял ли ты связь с настоящим искусством?» — признается Михайлов. Он избегает пафосных заявлений о собственном творчестве, предпочитая говорить о сути художественного ремесла. По его убеждению, подлинный талант рождается из упорного труда, а не умения подстраиваться под тренды или политическую конъюнктуру.
Михайлов развенчивает миф о творческом озарении. «Вдохновение приходит во время работы, а не в праздном ожидании муз», — утверждает он. Художник сравнивает свой процесс с тренировкой спортсмена: когда не получается создать что-то значительное, он делает «разминку» — простые упражнения для поддержания формы. «Картина — это всего лишь холст и краски. Настоящее искусство начинается, когда художнику удается вдохнуть в них жизнь», — поясняет мастер.
Разговор о современном искусстве неизбежно затрагивает ключевые фигуры XX века. Михайлов признает влияние Малевича, но скептически оценивает его наследие: «»Черный квадрат» — это скорее философский манифест, чем живопись в традиционном понимании». Особенно резко он высказывается о соц-арте: «Превращать коммунальный быт в музейные экспонаты — все равно что продавать воздух. Для Европы это экзотика, а для нас — часть жизни».
Художник с иронией относится к современному арт-рынку: «Сегодня цена произведения определяется не качеством, а грамотным маркетингом». В пример он приводит Ван Гога, чьи работы, по его мнению, не идут в сравнение с Рембрандтом, но продаются за миллионы. «Современное искусство часто подменяет суть провокацией — бронзовые фекалии или школьные доски за бешеные деньги», — сокрушается Михайлов. Среди немногих исключений он называет Ансельма Кифера и Антони Тапиеса, чьи работы сохраняют глубину в эпоху поверхностности.
Для Михайлова творчество — это постоянная борьба. «Художник должен оставаться «сердитым», как говорил Тарковский. Не голодным за славу, а именно сердитым на несовершенство мира», — убежден он. С годами отношение мастера к собственным работам меняется — какие-то кажутся пророческими, другие наивными. Но в этом, по его мнению, и заключается суть творческого пути: «Абсолютная истина недостижима, важна только дорога к ней».
Выставка в Мраморном дворце — не итог, а новый этап в творческой биографии Михайлова. Как и сам художник, его искусство продолжает искать, сомневаться и удивлять, оставаясь верным главному принципу: настоящее творчество рождается только в честном диалоге с самим собой.
